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Pintura Medieval

Pinturas Medievales

Principales Características de la Pintura Medieval

Con la caída del Imperio Romano Occidental, Europa occidental se derrumbó en un mosaico de pequeños reinos empobrecidos y no urbanos. El Imperio Romano Oriental (que abarcaba las tierras alrededor del Mediterráneo oriental), por otro lado, sobrevivió como un poder unido hasta el final de la Edad Media. Durante su fase medieval, el Imperio Romano de Oriente es conocido como el Imperio Bizantino.

El medio más importante de la pintura medieval en Europa occidental es la iluminación (ilustración manuscrita). El término «iluminado» surge del efecto resplandeciente de la hoja de oro, que a menudo se aplicaba a las páginas junto con tinta y pintura. Aunque los artistas medievales occidentales también pintaron murales (en los mismos estilos que la iluminación de manuscritos), pocos han resistido los siglos.

Los bizantinos, que también produjeron finos manuscritos y murales iluminados, se dedicaron principalmente al mosaico. De hecho, la cultura bizantina es única en la historia por elevar el mosaico a su forma principal de arte visual. Los mosaicos bizantinos (y los murales) florecieron principalmente en la decoración de los interiores de las iglesias.

El Estilo Bizantino de la Pintura de la Edad Media

El arte visual bizantino se mantuvo lo suficientemente estático a lo largo de la Edad Media para permitir el término barroco de estilo bizantino (aunque se pueden discernir fases sutilmente distintas). 16 La transición del arte romano (que es bastante realista) al estilo bizantino (que es bastante estilizado) ocurrió durante el período del cristianismo primitivo (ca. 200-500). A lo largo de la Edad Media, la influencia del estilo bizantino se mantuvo constante en Europa occidental, especialmente en Italia.

La preocupación central del estilo bizantino es la impresionante presentación de figuras sagradas. Con este fin, las figuras se representan en posturas estilizadas (como si estuvieran posando para la imagen), serenas de expresión y, a menudo, con corona de halo. (El halo se originó en el arte griego, adornando la cabeza de Helios, dios del sol) La profundidad tridimensional se evita en gran medida en favor de un solo plano; esta plenitud es especialmente llamativa cuando las túnicas se dibujan con pliegues complejos (de modo que la túnica adquiere el aspecto de una cortina).

Mosaicos y murales Bizantinos

500-1453

El lienzo principal para el mosaico y la pintura bizantina fue el interior de la iglesia. Las grandes superficies estaban adornadas con figuras bíblicas, mientras que los espacios estrechos estaban adornados con patrones intrincados. El interior en su conjunto a menudo se unía como una composición jerárquica, que transmitía la jerarquía de los seres en el universo cristiano.

El diseño central en forma de cúpula de las iglesias bizantinas fue ideal para la composición jerárquica. La parte superior de la cúpula principal estaba típicamente dedicada a una representación gloriosa de Cristo; a menudo, los ángeles se colocaban inmediatamente debajo de él, y los santos debajo de los ángeles. Las cúpulas estaban ocupadas por otras figuras cristianas primarias, como María y los apóstoles.

Una característica recurrente de los mosaicos bizantinos es un fondo dorado brillante. Se produjeron 30 teselas de oro y plata (azulejos de mosaico) recubriendo una lámina de vidrio en una capa de hoja (a saber, lámina de oro o plata), luego rompiendo la lámina en cubos. Las baldosas de vidrio en otros colores se produjeron de manera similar utilizando óxidos metálicos en polvo.

La mayor parte del arte y la arquitectura bizantina se encuentran en las tierras que rodean el Mediterráneo oriental. Sin embargo, la esfera de la cultura bizantina se extendió a partes de Italia, las ciudades más famosas de Rávena y Venecia (ambas situadas en la costa este del norte de Italia). Dada su ubicación, estas ciudades estaban sujetas a una fuerte influencia bizantina (e incluso formaron parte del Imperio bizantino durante algunos siglos), y produjeron mucho arte de estilo bizantino a lo largo del período medieval.

¿Qué son los Iconos Bizantinos?

500-1453

Además de la decoración arquitectónica, el principal medio del arte visual bizantino fue el icono: una pintura de panel de una o más figuras sagradas. Si bien la mayoría de los íconos son simplemente retratos, algunas cuentan con escenas narrativas. Los iconos, que (al igual que sus primos de mosaico y mural) presentan el estilo bizantino, tenían la intención de ayudar a los cristianos a entender las realidades espirituales al proporcionar intermediarios visuales; no estaban destinados a ser adorados, ya que eso constituiría idolatría (objeto de culto, que está prohibido en el cristianismo).

Sin embargo, en varios puntos de la historia bizantina, las autoridades religiosas decidieron que los íconos eran idólatras y los destruyeron en masa. El término iconoclasia (en griego, «imagen rompiendo»), que denota la destrucción intencional de objetos religiosos, surge de estas campañas de destrucción.

Edad Media y la Pintura de la Edad Oscura

500-1000

Al igual que en Europa del Este, la pintura de Europa Occidental experimentó un cambio del realismo antiguo a la estilización medieval. El panorama político fracturado y caótico, sin embargo, impidió que Europa occidental se uniera por una única estética. En cambio, se desarrolló un mosaico de estilos regionales, conocidos como estilos bárbaros.

Los estilos bárbaros, que florecieron aproximadamente a lo largo de la Edad Oscura (ca. 500-1000), son bastante planos y estilizados, y se centran en patrones decorativos en lugar de figuras humanas. Esto refleja la falta de familiaridad de los artistas germánicos con figuras o realismo; La forma primaria del arte germánico nativo era el trabajo intrincadamente modelado en metal y madera.

En el campo de la iluminación de manuscritos, el estilo bárbaro más exitoso fue el estilo insular de Gran Bretaña e Irlanda. («Insular» simplemente significa «relacionado con una isla».) Desarrollado conjuntamente por celtas y anglosajones, esta estética también se conoce como el estilo hiberno-sajón o anglo-celta.

La característica predominante del arte insular es el trabajo con nudos, que consiste en entrelazar cordones. El arte Knotwork culminó entre los celtas y, por lo tanto, a menudo se lo denomina indiscriminadamente «nudo celta». Sin embargo, los anglosajones también fueron los principales contribuyentes; En particular, introdujeron motivos zoomorfos. La invención de los nudos se remonta al imperio romano tardío, desde el cual se irradiaba a Gran Bretaña e Irlanda.

El principal manuscrito de estilo insular es el Libro de Kells de fabricación irlandesa. Este libro está lleno de marcos e iniciales asombrosamente complejos. Las figuras humanas, cuando están presentes, son planas y altamente estilizadas.

La figura humana fue restaurada como el foco central del arte occidental por los carolingios y otonianos. «Arte carolingio» denota obras de arte producidas por el Imperio carolingio (ca. 750-900). El «arte ottoniano», que se basa en el de los carolingios, denota las obras producidas por el Sacro Imperio Romano durante su primer siglo (ca. 950-1050).

El arte de estos dos periodos suele ser bastante similar. La principal diferencia es que el arte carolingio es generalmente más realista, en términos de tridimensionalismo (perspectiva y sombreado) y color (coloración relativamente tenue). En otras palabras, los carolingios volvieron a un nivel de realismo cristiano primigenio, luego de lo cual los otonianos se deslizaron nuevamente hacia una estilización plana y de colores brillantes.

El manuscrito iluminado carolingio más famoso es probablemente los evangelios de Ebbo. Este trabajo es lo suficientemente realista como para ser confundido con el arte cristiano primitivo. Las tres imágenes de los Evangelios de Ebbo que se proporcionan a continuación son ejemplos del retrato del evangelista: una representación de Mateo, Marcos, Lucas o Juan en el acto de escribir su evangelio.

El manuscrito ottoniano más famoso puede ser el Codex Egberti. Como lo demuestra este trabajo, la coloración ottoniana es vibrante y la hoja de oro a menudo se aplica generosamente.

Edad Románica en Pinturas Medievales

1000-1200

El período románico marca el regreso de un fuerte grado de unidad estética en toda Europa occidental. El arte de este período se desarrolló a partir de las tres grandes tradiciones de la Edad Oscura: bárbaro, carolingio y otoniano. Quizás la característica más distintiva de la iluminación románica sea la abundancia sin precedentes de colores saturados especialmente el azul, el verde y el rojo. A menudo, sin embargo, la iluminación románica se parece mucho a la obra otoniana.

Una de las obras más destacadas de la iluminación románica es la Biblia de Winchester, conocida por sus magníficas «iniciales con historia» (iniciales embellecidas con escenas del

Edad Gótica en Pinturas de la Edad Media

1200-1500

Para un ojo no experto, la iluminación carolingia, otoniana y románica pueden parecer bastante similares. La iluminación gótica, por otro lado, se distingue claramente. La pintura gótica se caracteriza por un grado sorprendentemente nuevo de realismo físico, que incluye profundidad de perspectiva, figuras y objetos tridimensionales, posturas naturales y entornos contemporáneos realistas (incluida la indumentaria actual y la arquitectura de la época). 10 El gótico ocupa el término medio entre la estilización plana de la mayoría del arte medieval y el realismo plenamente desarrollado del Renacimiento.

La obra maestra indiscutible de la iluminación gótica es Très Riches Heures, ejecutada principalmente por tres hermanos holandeses (los hermanos Limbourg) que trabajan en París. 7 (Se encontraron muchos artistas holandeses en París en este momento, lo que refleja el ascenso de los Países Bajos como líder del arte occidental). Las doce ilustraciones de calendario son sus páginas más famosas.

Con la invención de la imprenta cerca del final de la Edad Media, la gran era de la iluminación manuscrita llegó a su fin.

Mientras tanto, la época gótica fue testigo de un resurgimiento de la pintura mural, particularmente en Italia. En este medio, el trabajo innovador en realismo físico fue llevado a cabo por Giotto di Bondone, considerado el artista de transición clave de la pintura gótica al renacentista.

Giotto hizo un progreso crítico en las dos técnicas fundamentales del realismo físico: la perspectiva (la articulación tridimensional del espacio) y la iluminación (o, de manera equivalente, el sombreado: la articulación tridimensional de las superficies). (La manipulación de la iluminación / el sombreado en el arte visual se conoce como «modelado»). Sin embargo, los avances en perspectiva de Giotto todavía se lograron «por sentimiento»; La perspectiva matemática precisa no se desarrollaría hasta el Renacimiento.

El trabajo más importante de Giotto es la serie de murales La vida de Cristo (Arena Capilla, Padua), que ilustra los avances en el realismo físico descritos anteriormente. Además, estas pinturas a menudo presentan realismo emocional: figuras con expresiones emocionales realistas, en lugar de las expresiones serenas estándar que se encuentran en la mayoría del arte medieval. Así, además de promover el realismo físico, Giotto ayudó a descongelar la falta de emoción de la pintura medieval.

Vídeo sobre Pintura Medieval

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